Ilan Volkov, conductor
Brussels Philharmonic
Ictus Ensemble


Teaser on Youtube



Cassandra Miller: Round, 2017
for orchestra, with 4 trumpets in the space

De Cock, Nulens, Soulier: Waves, 2022
for micro-percussion, performed by Tom De Cock and Gerriut Nulens

Øyvind Torvund: A Walk into the Future, 2019
for orchestra and samples

Georg Friedrich Haas: Concerto Grosso N°2, 2014
for chamber ensemble and orchestra



Brussels Philharmonic
Ilan Volkov

Konzertmeister Brussels Philharmonic
Henry Raudales

Ictus musicians
Géry Cambier, double bass
Geert De Bièvre, cello
Tom De Cock, percussion, micro-percussion
Dirk Descheemaeker, clarinets
Chryssi Dimitriou, flutes
Alexandre Fostier, sound engineer
Victor Guaita, viola
Caspar Langhoff, light design
Ruben Orio, percussion
Gerrit Nulens, percussion, micro-percussion
Aisha Orazbayeva, violin
Luca Piovesan, accordion
Jean-Luc Plouvier, piano, e-keyboard
Igor Semenoff, violin
Piet Van Bockstal, oboe

Ilan Volkov,

former conductor of the BBC Scottish Orchestra and curator of the amazing cross-stylistic Tectonics Festival, is an irrepressible bundle of energy and all-round scholar who is equally comfortable in experimental, classical or underground music.
Together with the Brussels Philharmonic and Ictus musicians, he has come up with a multi-faceted and sci-fi-oriented evening from cosmic vertigo to futuristic kitsch.

Cassandra Miller

was born in 1976 in Canada, and lives in London. She studied composition with Christopher Butterfield, Richard Ayres and Michael Finnissy. We want to give this composter a warm welcome; we guarantee you’ll hear from her again! In fact, the Brussels Philharmonic has commissioned her for a new work. The Guardian has listed her compositions among its ‘Best classical music works of the 21st century’, while the New York Times describes her music as 'sweet, slightly surreal'. Cassandra Miller revisits the minimalist aesthetic with unprecedented softness and vulnerability. Her music seems to simulate the workings of our memory – what happens when a single musical reminiscence, something vague, fragile and luminous, picks its way through our minds in successive loops? Her creative process is built around transcription and mimicry techniques: a musical element is examined, transcribed, transposed... and finally transfigured.


is written for a large orchestra, with four trumpets positioned on the balconies. The work was premiered in 2016 by the Toronto Symphony Orchestra. 'The melody used here is a replication of Catalonian cellist Gaspar Cassadó’s recorded performance of Tchaikovsky’s Valse Sentimentale. The transcription reproduces Cassadó's entrancingly idiosyncratic pushing-and-pulling of tempo and phrase', wrote Cassandra Miller. On the subject of Round, she also quoted a paragraph from Gilbert Rouget’s Musique et Transe:
For when have children who suffer from insomnia, lull them to rest, they use movement, not immobility; they rock them ceaselessly in their arms; they bring them melody, not silence … The reason, says Plato, is that “our sufferings are, in short, just frighs; frights that result from a defective disposition of the soul”. So, if we apply an external jolt to this kind of suffering, the external movement overcomes the internal movement of fear and folly, and in so doing produces a manifest calm in the soul and a cessation of the grievous palpitations of the heart.

Tom De Cock and Gerrit Nulens

are both percussionists in the Ictus ensemble.
The ‘micro-percussion’ concept was designed by Tom De Cock as a complete percussion kit, able to fit on a table and travel in a suitcase. It is amplified by spot microphones. The project was developed with the support of the PDR-FRArt research fund. In 2018, Noé Soulier approached Ictus to conduct dance-music research, from which the Waves performance emerged. On that occasion, the two percussionists and Noé Soulier experimented with collective composition, based on the development of a lexicon of short ‘phrases’, both musical and physical. All the phrases are linked to three specific actions: hitting, throwing and evading a blow. 'It’s been ages since we last discovered something so wonderful, singular, strange and new in contemporary dance,' Wiebke Hüster wrote of this performance in the Frankfurter Allgemeine Zeitung. Tonight’s purely instrumental version has been specially reworked for the concert.

Øyvind Torvund

was born in 1976 in Porsgrunn, Norway. While studying classical music in Oslo and Berlin, he played guitar in rock and improvisation bands. His music assembles disparate materials: rock genre sounds, and sounds from nature and from everyday life coexist with writing in a deliberate combination of seriousness and humour where ‘nobility’ rubs shoulders with ‘rubbish’. Categories are split open or blurred, habits undone. 'Contrasts, juxtapositions and completely opposite perspectives interest me because I believe that there is a lot happening beneath the ordinary musical framework, and many unconscious forces to explore.'

A Walk into the Future,

for orchestra and sample playback, was written in 2019. It is the second part of a diptych of Two Symphonic Poems, commissioned and premiered by the Oslo Philharmonic. As in any self-respecting symphonic poem, the music describes the encounter between ‘great men’ and 'great landscapes'. But a strange modernism clouds the programme – a ‘retro-futuristic’ modernism, one might say, as seen through the eyes of a child. The composer describes it in deliberately naive terms: 'A simple, childish idea: a drum march with a whistled melody — we're setting off on a hike! Along the way, the hikers encounter abstract shapes, robots, and many foreign and unknown things. They have a positive attitude, but the vision of the future we are presented with is not entirely bright and cheerful.'

George Friedrich Haas

was born in 1953 in Graz, Austria. He studied composition with Gösta Neuwirth and Friedrich Cerha (the 'Austrian Ligeti'). G.F. Haas developed a very particular sound, inspired by French spectralism, the music of Giacinto Scelsi and the microtonal theories developed by Ivan Wyschnegradsky in the 1930s. Haas aims to 'compose sound as such'; as he puts it: to treat it as a mass or a flow in order to achieve dramatic effects. He uses non-tempered intervals ('microtones') to distort the harmony, to colour it, to make it brighter or darker, according to his artistic needs. Like Scelsi before him, Georg Friedrich Haas also uses 'acoustic beats' produced by very close frequencies to create an effect of gravity and depth, which irresistibly evokes a great cosmic expanse. His work can therefore be seen, in the tradition of Alexander Scriabin, as possessing a transcendental aspiration. In 2016, Haas created a radical and stunning opera, Koma, whose final part is performed in total darkness, inviting the audience to identify with a woman as she slips into a state of clinical death, while the music gradually slows into complete silence.

Concerto Grosso No.2 (2014)

The concerto grosso, a Baroque form born in the early 18th century, brings together an orchestra and a group of soloists known as a 'concertino' (rather than a single soloist, as in the classical concerto). The most famous of the concerti grossi are J.S. Bach’s Brandenburg Concertos 2, 4 and 5.
Here, the concertino consists of fifteen soloists – musicians from the Ictus ensemble and four players from the Brussels Philharmonic (bassoon and brass). Much of the work hinges obsessively around a C bass note, as still and icy as a marble column – reminiscent of Gérard Grisey’s Acoustic Spaces and the experiments of drone music. But the stillness is challenged and undermined by the inner life of the sound, its ‘turbulence’. To express these turbulences within the One, various techniques come into play: quarter tones, sixth tones and twelfth tones (each soloist is equipped with an electronic tuner), improvisations on harmonics, the use of different simultaneous tempos, lead mutes for the strings, and a very subtle collection of vibrato qualities or repeated notes. The work was commissioned by BBC Radio 3, and premiered by Ilan Volkov at the 2014 Tectonics Festival.

Ilan Volkov,

voormalig chef-dirigent van het BBC Scottish Orchestra en bezieler van het trans-stilistische ‘Tectonics’ festival, is een echte energiebom - en een muzikale omnivoor. Experimentele muziek, klassiek of underground: niets is hem vreemd, hij voelt zich in elk genre thuis. Samen met de musici van Brussels Philharmonic en Ictus bedacht hij een heuse ‘science fiction’-avond, die een wilde trip belooft tussen de duizelingwekkend diepe kosmos en heerlijke futuristische kitsch.

Cassandra Miller

is geboren in 1976 in Canada, en woont vandaag in Londen. Zij studeerde compositie bij Christopher Butterfield, Richard Ayres en Michael Finnissy. Ze is een componiste, van wie u gegarandeerd nog zal horen! Zo gaf het Brussels Philharmonic haar recentelijk een opdracht om een nieuw werk te schrijven. The Guardian vermeldt haar werk bij beste klassieke muziekwerken van de 21e eeuw, terwijl de New York Times haar muziek beschrijft als lieflijk, licht surrealistisch.
Cassanra Miller’s muziek lijkt de werking van ons geheugen na te bootsen: wat gebeurt er als een vage, breekbare maar lichtgevende muzikale herinnering zich in lussen een weg door ons bewustzijn baant. Haar creatief proces is gebaseerd op de techniek van transcriptie en nabootsing: een muzikaal element wordt onderzocht, getranscribeerd, getransponeerd... en tenslotte vervormd.

ROUND (2017)

Round is geschreven voor groot orkest, met vier trompetten die spelen van op de balkons. Het werk werd gecreëerd in 2016 door het Toronto Symphony Orchestra. "De hier gebruikte melodie is een replica van de door de Catalaanse cellist Gaspar Cassadó opgenomen uitvoering van Tsjaikovski's Valse Sentimentale. De transcriptie geeft Cassadó's onnavolgbare stijl van tempo en frasering weer," schrijft Cassandra Miller. Over Round citeert zij ook een paragraaf uit Gilbert Rouget's "Musique et Transe": 
Wanneer moeders hun slapeloze kinderen in slaap willen krijgen, brengen ze hen geen onbeweeglijkheid maar beweging, want ze wiegen hen onophoudelijk in hun armen; ze brengen hen geen stilte maar melodie... De reden hiervoor, zegt Plato, is dat "het lijden van beiden, kort gezegd, angsten zijn; angsten die voortkomen uit een gebrekkige aanleg van de ziel". Wanneer een uitwendige impuls aan dit soort lijden wordt toegebracht, overwint de uitwendige beweging de innerlijke beweging van angst en dwaasheid, en brengt daardoor een duidelijke kalmte in de ziel teweeg en een einde aan de pijnlijke hartkloppingen.


De Cock (°1982) and Nulens (°1972) zijn beiden percussionist bij het Ictus ensemble. De 'micro-percussie' werd door Tom De Cock ontworpen, met steun van het onderzoeksfonds PDR-FRAt, als een complete percussie-kit die op een tafel past en in een koffer mee op reis kan. De versterking gebeurt met enkele contactmicrofoons. In 2018 benaderde choreograaf Noé Soulier Ictus om mee te stappen in een onderzoek over de relatie tussen muziek en beweging, wat resulteerde in de dansvoorstelling WAVES. Samen met Soulier experimenteerden De Cock en Nulens met collectieve compositie, gebaseerd op een lexicon van korte muzikale en gedanste "frasen". Alle frasen verwijst naar drie specifieke handelingen: slaan, gooien en ontwijken. "Het is lang geleden dat we zoiets wonderlijks, aparts, vreemds en nieuws in de hedendaagse dans hebben ontdekt," schreef Wiebke Hüster in de Frankfurter Allgemeine Zeitung over deze voorstelling. De zuiver instrumentale versie van vanavond is speciaal voor dit concert ontwikkeld.

Øyvind Torvund

is geboren in 1976 in Porsgrunn, Noorwegen. Naast zijn studies klassieke muziek in Oslo en Berlijn, speelde hij gitaar in rock- en improvisatiebands. In zijn muziek komen ongelijksoortige materialen samen: de geluiden van rock, de natuur en het dagdagelijkse leven gaan hand in hand met een verfijnde schriftuur. In een weloverwogen mix van ernst en humor waarin het "edele" en het "afval" elkaar raken worden categorieën opengebroken en gewoontes in vraag gesteld. "Contrasten, juxtaposities en radicale tegenstellingen interesseren me omdat ik geloof dat er veel broeit onder de muzikale oppervlakte, dat er veel onbewuste krachten zijn die onderzocht kunnen worden.".

A Walk into the Future,

voor orkest en gesampelde geluiden, werd gecomponeerd in 2019. Het is het tweede deel van een dyptiek, Two Symphonic Poems, in opdracht van en gecreëerd door de Oslo Philharmonic. Zoals in elk zichzelf respecterend symfonisch gedicht, beschrijft de muziek de ontmoeting van "grote mannen" en "grote landschappen". Maar een vreemd modernisme werpt een schaduw over het verhaal – een soort van 'retro-futuristisch' modernisme, gezien door de ogen van een kind. De componist spreekt er in opzettelijk naïeve bewoordingen over: "Een eenvoudig, kinderlijk idee: een trommelmars begeleid door een fluitmelodie - een voettocht! Onderweg komen de wandelaars abstracte vormen tegen, robots, naast veel vreemde en onbekende zaken. De wandelaars stralen van de ‘positive attitude’, maar de toekomst die voor hen ligt, stemt niet bepaald vrolijk."

Georg Friedrich Haas

werd geboren in 1953 in Graz, Oostenrijk. Hij studeerde compositie bij Gösta Neuwirth en Friedrich Cerha (de "Oostenrijkse Ligeti"). G.F. Haas heeft een heel eigen geluid ontwikkeld, geïnspireerd door het Franse spectralisme, de muziek van Giacinto Scelsi en de microtonale theorieën die Ivan Wyschnegradsky in de jaren dertig ontwikkelde. Haas wil "het geluid als zodanig componeren", het behandelen als een massa of als een stroom, om dramatische effecten te bereiken. Hij gebruikt niet-getempereerde intervallen ("microtonen") om de harmonie te vervagen, te kleuren, helderder of ondoorzichtiger te maken naar gelang van zijn expressieve behoeften. Evenals Scelsi voor hem maakt ook Georg Friedrich Haas gebruik van de "akoestische beatings" die door zeer nabij liggende frequenties worden voortgebracht om een effect van zwaartekracht en diepte te creëren, dat onweerstaanbaar de grote kosmische ruimten oproept. Zijn werk kan dan ook geplaatst worden in de traditie van Alexander Scriabin, met een gelijkaardige transcendente ambitie. In 2016 creëerde Haas een radicale en verbazingwekkende opera, Koma, waarvan het hele laatste deel in totale duisternis wordt uitgevoerd. De luisteraars worden uitgenodigd om zich te identificeren met een vrouw die geleidelijk in een staat van klinische dood vervalt, terwijl de muziek langzaam vertraagt tot volledige stilte.


Het "concerto grosso" is een barokke vorm, ontstaan aan het begin van de 18e eeuw, waarin een orkest en een groep solisten, "concertino" genaamd, samenspelen (in plaats van een enkele solist, zoals in het klassieke concerto). De bekendste van de concerti grossi zijn de Brandenburgse Concerten 2, 4 en 5 van J.S. Bach.
Het "concertino" is hier samengesteld uit vijftien solisten: musici van het Ictus ensemble en vier musici van het Brussels Phiharmonic (fagot en koperblazers). Een groot deel van het werk is obsessief gebaseerd op de grondtoon 'C', onbeweeglijk en bevroren als een marmeren zuil - die zowel doet denken aan Gérard Grisey's Espaces Acoustiques als aan de experimenten in de drone-muziek. Maar de onbeweeglijkheid wordt in vraag gesteld en uiteindelijk overwonnen door het innerlijke leven van het geluid, zijn "turbulentie". Om deze turbulenties binnen dat Ene tot uitdrukking te brengen, worden allerlei technieken ingezet: kwarttonen, zesde tonen en twaalfde tonen (elke solist heeft een elektronische stemapparaat voor zich staan), improvisaties op boventonen, gebruik van verschillende gelijktijdige tempi, hoteldempers voor de strijkers, en zeer gedifferentieerde kwaliteiten van vibrato en van herhaalde noten. Het werk werd gecomponeerd in opdracht van BBC Radio 3. Het werd gecreëerd door Ilan Volkov op het Tectonics Festival 2014.


ex-chef du BBC Scottish Orchestra et animateur du formidable festival trans-stylistique “Tectonics,” est une véritable boule d’énergie et d’érudition tout-terrain ; aucune facette de la musique expérimentale, classique ou underground, ne lui est étrangère.
Avec le Brussels Philharmonic et les musiciens d’Ictus, il a concocté une soirée d'orientation très « science-fiction », aux multiples facettes — depuis le grand vertige cosmique jusqu’au kitsch futuriste.

Cassandra Miller

est née en 1976 au Canada, et vit à Londres. Elle a étudié la composition avec Christopher Butterfield, Richard Ayres and Michael Finnissy. Bienvenue à cette compositrice, dont nous pouvons vous garantir que vous ré-entendrez parler ! Le Brussels Philharmonic lui a d’ailleurs commandé une nouvelle œuvre. The Guardian a classé ses oeuvres parmi The best classical music works of the 21st century, tandis que le New York Times décrit sa musique comme sweet, slightly surreal. Cassandra Miller revisite l’esthétique minimaliste avec une douceur et une vulnérabilité jamais entendues. La musique de Miller semble simuler le travail de notre mémoire : ce qui se passe lorsque qu’une simple réminiscence musicale — quelque chose de vague, de fragile et lumineux — trace son chemin dans notre esprit, en boucles successives. Son processus créatif s’appuie sur la technique de la transcription et du mimétisme : un élément musical est ausculté, transcrit, transposé ... et finalement transfiguré.


est écrit pour grand orchestre, avec quatre trompettes placées sur les balcons. L’oeuvre a été créée en 2016 par le Toronto Symphony Orchestra. « La mélodie utilisée ici est une réplique de l'interprétation enregistrée par le violoncelliste catalan Gaspar Cassadó de la Valse Sentimentale de Tchaïkovski. La transcription reproduit le style inimitable de Cassadó en matière de tempo et de phrasé », écrit Cassandra Miller. Au sujet de Round, elle cite également un paragraphe de « Musique et Transe » de Gilbert Rouget :
Lorsque les mères ont des enfants qui souffrent d'insomnie et veulent s'endormir, elles leur apportent non pas l'immobilité, mais le mouvement, car elles les bercent sans cesse dans leurs bras ; elles leur apportent non pas le silence, mais la mélodie... La raison en est, dit Platon, que « les souffrances des uns et des autres sont, en somme, des frayeurs ; des frayeurs qui proviennent d'une disposition défectueuse de l'âme ». Aussi, chaque fois que l'on applique une secousse extérieure à ce type de souffrances, le mouvement extérieur l'emporte sur le mouvement intérieur de la peur et de la folie, et en l'emportant ainsi, il provoque un calme manifeste dans l'âme et la cessation des palpitations douloureuses du cœur.

Tom De Cock et Gerrit Nulens

sont tous deux percussionnistes de l’ensemble Ictus.
La « micro-percussion » a été pensée par Tom De Cock comme un kit complet de percussion, capable de tenir sur une table et de voyager dans une valise. Il est amplifié par des micros de proximité. Le projet a été développé avec le soutien du fonds de recherche PDR-FRArt. Noé Soulier s’est adressé à Ictus en 2018 pour mener une recherche danse-musique, qui a abouti au spectacle de danse Waves. À cette occasion, les deux percussionnistes et Noé Soulier lui-même ont fait l’expérience de la composition collective, à partir de l’établissement d’un lexique de courtes « phrases », à la fois musicales et gestuelles. Toutes les phrases ont un rapport avec trois actions bien particulières : frapper, jeter, esquiver un coup. « Cela faisait bien longtemps que nous n'avions pas découvert quelque chose d’aussi merveilleux, singulier, étrange et neuf en danse contemporaine », écrivait Wiebke Hüster dans le Frankfurter Allgemeine Zeitung au sujet de ce spectacle. La version de ce soir, purement instrumentale, a été spécialement retravaillée pour le concert.

Øyvind Torvund

est né en 1976 à Porsgrunn, Norvège. Parallèlement à des études musicales classiques à Oslo et Berlin, il a joué de la guitare dans des groupes de rock et d'improvisation. Sa musique rassemble des matériaux disparates : le sons du rock, de la nature, de la vie quotidienne cohabitent avec l’écriture, dans un mélange délibéré de sérieux et d’humour où se frottent le « noble » et le « déchet ». Les catégories s'ouvrent ou se brouillent, les habitudes se défont. « Les contrastes, les juxtapositions et les oppositions radicales m'intéressent parce que je crois qu'il se passe beaucoup de choses sous le cadre musical ordinaire, qu'il y a beaucoup de forces inconscientes à explorer. »

A Walk into the Future,

pour orchestre et sons échantillonnés, a été écrit en 2019. C’est le second volet d’un dyptique, Two Symphonic Poems, commandé et créé par le Oslo Philharmonic. Comme dans tout poème symphonique qui se respecte, la musique décrit la rencontre de « grands hommes » et de « grands paysages ». Mais un étrange modernisme brouille le programme — un modernisme « rétrofuturiste », pourrait-on dire, comme vu par les yeux d’un enfant. Le compositeur en parle en termes volontairement naïfs : « Une idée simple et enfantine : une marche de tambour accompagnée d’une mélodie sifflée — c’est un départ en randonnée ! En chemin, les randonneurs rencontrent des formes abstraites, des robots, beaucoup de choses étranges et inconnues. Les randonneurs ont la positive attitude, mais l'avenir qui se présente n’est pas spécialement joyeux. »

George Friedrich Haas

est né en 1953 à Graz, Autriche. Il a étudié la composition avec Gösta Neuwirth et Friedrich Cerha (le « Ligeti autrichien »). G.F. Haas a développé un son très particulier, inspiré à la fois par le spectralisme français, la musique de Giacinto Scelsi et les théories microtonales développées par Ivan Wyschnegradsky dans les années 1930. Haas vise à « composer la sonorité en tant que telle », comme il le dit, à la traiter comme une masse ou comme un flux pour en obtenir des effets dramatiques. Il utilise les intervalles non-tempérés (« micro-tonaux ») pour brouiller l’harmonie, la colorer, la rendre plus lumineuse ou plus opaque selon ses besoins expressifs. Comme Scelsi avant lui, Georg Friedrich Haas utilise également les « battements acoustiques » produits par des fréquences très proches pour créer un effet de gravité et de profondeur, qui évoque irrésistiblement les grands espaces cosmiques. Aussi peut-on situer son oeuvre dans la filiation d’Alexander Scriabine, avec une ambition transcendantale. En 2016, Haas a créé un opéra radical et stupéfiant, Koma, dont toute la dernière partie est jouée dans la plus totale obscurité ; les auditeurs sont invités à s’identifier à une femme tombant progressivement en état de mort clinique, tandis que la musique ralentit lentement jusqu’au silence complet.

Concerto Grosso No.2 (2014)

Le « concerto grosso » est une forme baroque, née au début du 18e siècle, qui fait dialoguer un orchestre et un groupe de solistes appelé « concertino » (plutôt qu’un soliste unique, comme dans le concerto classique). Les plus célèbres des concertos grossos sont les concertos 2, 4 et 5 de la série des « Brandebourgeois » de J.S. Bach.
Ici, le « concertino » est composé de quinze solistes : musiciens de l’ensemble Ictus et quatre musiciens du Brussels Phiharmonic (basson et cuivres). Une grande partie de l’oeuvre s’appuie obsessionnellement sur une basse de « do », immobile et glacée comme une colonne de marbre — ce qui évoque à la fois les « Espaces acoustiques » de Gérard Grisey et les expériences de la drone music. Mais l’immobilité est contredite et mise en échec par la vie intérieure du son, ses « turbulences ». Pour exprimer ces turbulences à l’intérieur du Un , toutes sortes de techniques sont mises en jeu : quarts de ton, sixièmes de tons et douzièmes de tons (chaque soliste devant s’équiper d’un accordeur électronique), improvisations sur les harmoniques, usage de différents tempos simultanés, sourdines en plomb pour les cordes, et une collection très subtile de qualités de vibratos ou de notes répétées.
L’oeuvre est une commande de BBC Radio 3. Elle a été créée par Ilan Volkov lors de l’édition 2014 du Tectonics Festival.

Agenda for this project

June 2022
  • Date Show Location
  • Sat 18.06 A Walk into the Future Bozar - Brussels - Belgium


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