François Sarhan :'L'Nfer (Maarten Beirens, De Standaard) Grenzen lijken alsmaar relatiever te worden in de hedendaagse muziek. Het onderscheid tussen mooi afgebakende genres of duidelijk verschillende stijlen verdwijnt als thema naar de achtergrond. Een groot deel van de jongste generatie componisten knaagt al ijverig aan de barrières tussen klassiek, jazz en pop. De Franse componist en performer François Sarhan is daar een uitstekend voorbeeld van. Zijn L'Nfer ademt tot in de trendy alternatieve spelling van de titel de sfeer van een door en door hedendaags eclecticisme. Voor zoveel grensoverschrijdende ijver heeft Sarhan in het Ictus Ensemble zonder twijfel een enthousiaste partner gevonden. L'Nfer zou je nog het best kunnen omschrijven alsß een scenisch luisterspel, een spoken word performance van Sarhan, waarin de zeven muzikanten van Ictus, samples en andere elektronica een stijlvol klanktapijt uitrollen. De uitgekiende belichting versterkt de strakke, gestroomlijnde presentatie van de voorstelling. Sarhan spreekt schijnbaar achteloos over schijnbaar al even alledaagse dingen, maar de nauwkeurige manier waarop de instrumenten bij momenten de melo-dische contouren van zijn tekst verdubbelen, bewijst dat alles heel nauwkeurig op elkaar is afgesteld. Een collage van banale anekdotes, een televisiepredikant en een talkshow bouwt een beeld op van hedendaagse vervreemding. De hel die Sarhan beschrijft, moraliseert niet en roept geen hevige emoties op, maar blijft verborgen onder een ironische afstandelijkheid. Al kan dat gevoel ook veel te maken hebben met de muziek. Die schippert tussen progressieve rock à la Frank Zappa, elektrische jazz die zweemt naar de late Miles Davis, wat hedendaags-klassieke accenten en zowat alles wat daar tussenin ligt. Het is elegante muziek die een hoog herkenbaarheidsgehalte heeft, maar om een voorstelling van een dik uur te ondersteunen, biedt ze al bij al weinig reliëf of contrast. Het onderkoelde karakter dat overheerst, past zeker goed bij de wat bevreemdende sfeer van het luisterspel, maar maakt ook dat er na afloop niets echt beklijft of blijft hangen. L'Nfer is een interessant werk, maar het zou wat meer weerhaakjes kunnen gebruiken. (mb)
La Mesure du Temps (Ligeti, Leroux, Nancarrow...), Cité de la Musique, Paris Rex Lawson, spécialiste incontesté du piano mécanique, débutait la seconde partie de concert par une œuvre non prévue au programme, la Fantaisie pour pianola et violon de son maître Conlon Nancarrow, agréable miniature virevoltante et virtuose pour les deux instruments. Prélude logique du Nancarrow concerto de compositeur britannique Paul Usher, concerto pour pianola et ensemble d’après le Concerto pour pianola inachevé et les Etudes 33 et 49 du maître du rouleau perforé pour piano mécanique. Finalement, on ne sait quel est le langage musical de Paul Usher, tant ce Nancarrow concerto « parle » le Nancarrow dans le texte. Stravinsky, Copland et Gershwin se bousculent dans une orchestration faite par blocs et un langage mélodique en perpétuelle invention. Enfin, le Kammerkonzert de Ligeti terminait ce concert, ardemment défendu par un Ensemble Ictus chauffé à blanc, rendant à merveille les superpositions temporelles et constant mouvement propre à l’œuvre.
Maarten Beirens, december 2007, De Standaard Het sprookje van Klein Duimpje anders bekeken MAARTEN BEIRENS De uitvoering van Happy endvan Georges Aperghis was in handen van het Ictus En- semble, dat zijn goede relatie met Aperghis’ muziek zo kon bevesti- gen. Maar in vergelijking met de zintuiglijke overrompeling van Avis de tempêtebood Happy end een heel ander soort muzikale en dramatische ervaring. De muzikanten zaten onder een groot filmscherm waarop geanimeerde beelden van Hans Op de Beeck, Bruno Hardt en Klaas Verpoest werden geprojecteerd. Live-muziek bij een animatiefilm dus, en wel met het overbekende sprookje van Klein Duimpje als onderwerp. Maar wie het werk van Aperghis kent, wist dat hier geen Disney-toestanden te ver- wachten vielen. In Happy end werd het sprookje helemaal uitgekleed en van alle conventionele elementen ont- daan. Wat overbleef, was een gestileerde en wat statische anima- tiefilm, volledig gebouwd op pot- loodtekeningen. Net zoals in de muziek akoestische en elektronische middelen op sublieme wijze met elkaar vervlochten waren, was ook de film een merkwaardige synthese van technologie en ambacht. De beelden waren vooral landschappen, van industriële voorsteden tot weidse natuurgezich- ten. Ze vertelden het verhaal niet, maar gaven er commentaar op, zoals ook de muziek de tekst niet ondersteunde maar als het ware in zich opzoog. Muziek, tekst en beelden schoven naadloos in el- kaar tot een wondermooi geheel. Je hoorde de tekst van het verhaal nog wel, in het Frans en het Engels, maar dan enkel als elektronisch geluid. De stemmen waren goed verstaanbaar, maar werden zwaar bewerkt met elektronische effecten. Verlatingsangst De reden was duidelijk: niet het verhaaltje telde, maar hoe het werd verteld. De makers namen afstand van het vertrouwde ver- haal, om de toeschouwer onder- liggende thema’s voor te schotelen — zoals verlatingsangst of ver- dwalen. Die thema’s waren ge- situeerd in landschappen die tegelijk vreemd en vertrouwd aandeden. De originele vormgeving en de prachtige partituur van Aperghis, uitmuntend gespeeld door het Ic- tus Ensemble, hielden Happy end prikkelend van de eerste tot de laatste minuut. Dit muziekthea- terwerk blijft ver van alle feeërieke associaties, terwijl het perti- nente vragen stelt over wat dit verhaal voor ons vandaag nog kan betekenen. ‘Georges Aperghis: Happy end’. Ictus o.l.v. Georges-Elie Octors.
Pierre Yves MACE, décembre 2007, revue "Mouvement" La mélodie du bonheur - En choisissant d’adapter, pour Happy end (le Petit Poucet), le conte de Perrault, Georges Aperghis continue d’explorer la relation qui l’unit à ses interprètes, impulsion fondatrice de son « théâtre musical » – et d’exalter une bienfaisante jubilation créatrice. (...) Ainsi, pour son dernier spectacle, Happy end (le Petit Poucet), créé le 7 décembre à l’Opéra de Lille, Aperghis a non seulement fait appel à des collaborateurs qui lui sont familiers : l’ensemble Ictus (en résidence à l’Opéra de Lille, et coproducteur du spectacle), le musicien et réalisateur informatique Sébastien Roux, les comédiens Michael Lonsdale et Edith Scob (dont n’apparaissent que les voix enregistrées), mais il a également initié une rencontre inédite avec les jeunes plasticiens Hans Op de Beeck et Bruno Hardt. Tous ces contributeurs œuvrent ici à une « adaptation » assez fidèle du célèbre conte de Perrault, dont le récit est assuré par les voix off (Scob pour le texte français, Lonsdale pour la version anglaise) et des inserts de texte à l’image vidéo. Si la forme globale, volontairement narrative, impose à l’œuvre un canevas relativement linéaire, c’est assurément afin de mieux brouiller les pistes au plan du détail de l’écriture musicale elle-même. Nerveuse et fourmillante, sans cesse tendue sur un mince fil au-dessus d’un chaos de fils emmêlés (selon l’expression de Félix Guattari), cette écriture se plaît ici à convoquer des effets de dissipation, à perdre ses propres traces dans la vaste et dense forêt de la forme. Emergent, en guise de repères éphémères, quelques clins d’œil discrets à la musique de film (stridences de violon bernard-hermanniennes, thème mélodique récurrent à la flûte basse, ostinato en doubles croches à la contrebasse), le tout étant agencé dans un esprit ludique qui évoque parfois l’univers du jeu vidéo (traitements électroniques très marqués sur les voix, images de modélisation 3D de personnages ou de paysages). Dès lors, si Aperghis n’hésite pas à souligner la noirceur du conte de Perrault (appuyée par le noir et blanc de l’image), en aucun cas son œuvre ne perd de vue la joie et la jubilation créatrices qui sont le moteur, non seulement du conte et des histoires (le plaisir, initial et final, du « Il était une fois »), mais de la musique elle-même. « La musique n’est jamais tragique, la musique est joie ». Happy end.
Andrew Clements, Guardian, 3 mei, 2007 The blue-gowned orchestra is superbly conducted by Martyn Brabbins, their sound digitally transformed and projected around the auditorium. Harvey always uses electro-acoustic techniques with huge imagination, and the way in which they support the sound picture here is a model of its kind. The performances, too, are first rate. Claire Booth sings the role of Prakriti, making Harvey’s dizzying soprano lines thrillingly intense. Johan Leysen as a convincing Wagner and Catherine ten Bruggencate as the shrewish Cosima lead the acting troupe. A fascinating idea realised with great skill, Wagner Dream joins the lengthening list of operas by British composers that urgently need a staging here.
Dieter Lintz, Trierischer Volksfreund, 30 april 2007 Zu den bislang spektakulärsten Projekten des Kulturhauptstadt-Jahres gehört die Welturaufführung einer Auftragsoper des Komponisten Jonathan Harvey und des Autors Jean-Claude Carrière. Wagner Dream beschäftigt sich in einer Mischung aus Musiktheater und Schauspiel mit den letzten Stunden im Leben von Richard Wagner. Zur Premiere am Samstag kamen Theaterleiter und Kritiker aus ganz Europa. [...] Der Brite Jonathan Harvey und der Franzose Jean-Claude Carrière gehen alle Gefahren intelligent aus dem Weg, indem sie Wagner auf dem Totenbett eine Erfahrung machen lassen, die auf den ersten Blick mit seinem Werk nicht das Geringste zu tun hat: Er erlebt eine Art buddhistische Parabel. Doch mehr und mehr schält sich heraus, dass die Geschichte um die junge Inderin Prakriti die verbotenerweise den Mönch Ananda liebt, fast alle Zutaten von Wagners großen Themen hat: Erfüllung und Entsagung, Liebe und Opfer, Regeln und Revolte. [...] Regisseur Pierre Audi und Bühnengestalter Jean Kalman konstrastieren die Welten mit höchstem Geschick: in düsterem und strengem Schwarz-Weiß Wagners venezianischen Palazzo, in prächtigen Gelb-Orange-Tönen die indische Fabelwelt. Superbes Licht, eine – an Robert Wilson erinnernde – stark symbolistische Personenführung: Das hinterlässt tiefe Eindrücke beim Publikum. Die Inszenierung greift exakt die Intentionen von Harvey auf, der die beiden Erzählebenen gleichfalls strikt getrennt hat: Im Hause Wagner wird nicht gesungen, die Rollen werden von Schauspielern verkörpert, allen voran der herausragende Johan Leysen als verzweifelt um sein gescheitertes Stück kämpfender Komponist. [...] Im Fernost hingegen wird gesungen, und zwar mit nachgerade melodiösen, poetischen Singstimmen, die sich über den atonalen Orchesterpart erheben. Der Komponist besorgt die Computersteuerung, und das Ensemble Ictus mit seinem Dirigenten Martyn Brabbins begeistert durch ein Höchstmaß an Präzision und das extrem konstrastreiche, die Handlung prächtig illustrierende Klangbild. Sängerisch hat die Besetzung Weltniveau, mit Claire Booth (Prakriti) und Dale Duesing (Buddha) als Eckpfeiler eines darstellerisch wie musikalisch gleichermaßen überzeugenden Ensembles. [...]
Michèle Tosi, Res Musica, 26 mars 2007 Les concerts programmés à l’Espace de projection de l’IRCAM, ce lieu confiné au deuxième sous-sol du bâtiment, offrent toujours une écoute optimale pour les œuvres mixtes engageant au même titre la responsabilité des musiciens et des techniciens du son. Avec la collaboration de Sébastien Roux aux commandes du dispositif électronique, c’est l’ensemble belge Ictus dirigé par Georges-Elie Octors qui nous invitait ce mercredi 21 mars à la découverte de ces nouveaux continents sonores. Lorsque tout fonctionne et que la technique vient assister les prouesses de l’instrumentiste, le résultat sonore tient toujours de l’inouï. Dans Scratch Data, Raphaël Cendo - un compositeur d’une trentaine d’années, stagiaire en 2006 du Cursus annuel d’informatique musicale à l’IRCAM - engage une lutte à bras le corps entre le percussionniste et la machine qui, au départ, décuple la force des impacts puis contrarie le geste instrumental pour miner le système rythmique et le faire patiner de manière spectaculaire. C’est l’univers des cordes - pincées, frappées et frottées - qui est sollicité dans Sul Segno, une œuvre de Yann Maresz, musicien issu du Jazz qui se distinguera, lors du Cursus IRCAM 96, par sa pièce Métallics pour trompette et électronique, une œuvre de référence inscrite désormais au répertoire de l’Institut. En dépit d’aléas techniques qui ont obligé les interprètes à repartir de zéro, l’outil électronique aspirant le son à sa source, vient ici transformer l’univers instrumental en une forge industrieuse dont la spatialisation détaille la complexité foisonnante. L’ensembe belge Ictus, au complet cette fois, donnait en création mondiale l’œuvre très attendue de Bruno Mantovani, Eclair de Lune, qui marquait le retour du compositeur à l’électronique après sept ans de distance prise avec le travail en studio. En préambule, le percussionniste Miquel Bernat interprétait Le grand jeu, une pièce pour percussions et support audio réalisée à l’IRCAM lors du Cursus de 1999, Mantovani avait alors vingt cinq ans. Jouée à mains nues sur un dispositif privilégiant les peaux des toms et congas, la partie instrumentale vient se fondre à la source électroacoustique, confrontant son énergie tribale à la sophistication des sons de synthèse dans une jungle sonore luxuriante irriguée par les pulsions vivifiantes du jazz et des musiques populaires que Mantovani sollicite tout particulièrement à cette époque. Sept ans plus tard avec Eclairs de lune, il inverse la donne, choisissant un effectif instrumental très fourni – bois, cuivres, piano et cordes – cerné par trois caisses claires dont les roulements vont effectuer « le passage » entre les figures instrumentales et la partie électronique suivant un effet de continuum générant l’ambiguïté dans la perception des sources sonores. L’œuvre se déploie dans l’espace par agrandissements successifs selon une conduite bien cernée ; de la séquence éruptive du piano au relais musclé de l’ensemble instrumental assisté par l’électronique, la sonorité acquiert une puissance et un impact émotionnel rarement atteints chez le compositeur. Superbe également cette stase finale où les sons du piano refermant la trajectoire semblent aspirés par un courant ascendant… « J’aime, dit Boulez, que la musique donne l’impression d’être à la fois très logique et très mystérieuse… ». Des superlatifs qui collent étonnamment à la création mantovanienne.
Marie-Aude Roux, Le Monde, 25 janvier 2007 Un "Wozzeck" minimaliste, une épure de la folie - C'est à la création française d'une nouvelle version de Wozzeck, d'Alban Berg, que nous conviait mardi 23 janvier l'Opéra de Lille et sa directrice, Caroline Sonrier. Il y a une prise de risque à programmer l'un des ouvrages lyriques majeurs du XXe siècle, connu pour sa luxuriance orchestrale, dans l'épure semi-chambriste réalisée en 1992 par le compositeur d'origine canadienne John Rea, et créé en 1995 à Banff (Canada) par le Nouvel Ensemble moderne et sa chef d'orchestre, Lorraine Vaillancourt, initiatrice du projet. Réorchestrée pour vingt et un instruments, dont une majorité de vents, la partition de John Rea se situe dans la droite ligne des transcriptions auxquelles se livraient mutuellement les trois compositeurs viennois Schönberg, Berg et Webern. Tout au plus pourra-t-on regretter que la musique perde en lyrisme ce qu'elle gagne en acuité "schönbergienne". L'AFFOLEMENT DES CORPS ET DE LA PENSÉE - Face à la remarquable prestation de l'Ensemble Ictus, formation belge en résidence à l'Opéra de Lille sous la direction de Lorraine Vaillancourt, le plateau vocal s'avère un cran en dessous. La soprano allemande Ursula Hesse von den Steinen, très belle Marie en robe rouge, ne possède pas tous les moyens vocaux du rôle, ici tiré systématiquement vers un expressionnisme basique. Les trois "tortionnaires" du pauvre soldat Wozzeck, le Docteur pervers (Petri Lindroos), le Capitaine fanatique (Ales Briscein) et le Tambour-major fornicateur (Louis Gentile), se montreront à la hauteur de leur fonction. Quant à Andreas Scheibner, c'est un Wozzeck convaincant, qui tient avec noblesse son rang d'humilié. A l'instar de la musique de Berg, à la fois clinique et compassionnelle, la mise en scène de Jean-François Sivadier est une épure de la folie. La scénographie est magnifique, de même que les éclairages. Sur un plateau central tournant, quatre pans coupés en bois ajouré glissent sur des rails, tour à tour assemblés comme les ailes d'un moulin couché, puis délimitant des espaces familiers (maison de Marie, cabinet du docteur, etc.), enfin épars et mimétiques du drame qui se noue et poussera Wozzeck à tuer celle qu'il aime et qui l'a trahi. De ce vertige de mort, Jean-François Sivadier a fait le manège de la vie, qui tourne, et dérape, et se cogne, dans l'affolement des corps et de la pensée. La direction d'acteurs est nerveuse et sensible, et d'une grande poésie. Ainsi le moment où le Tambour-major, rendu invisible par un rideau blanc, offre des boucles d'oreille à Marie, main tendue qui prend sa main à elle, l'enveloppe et la caresse. Ainsi les feux-follets dansants dans la nuit du marais, là où Wozzeck le criminel à la lune rouge ira se noyer autant que dans son délire meurtrier. Ne restera sur scène, outre le Fou aux roses rouges, que l'adorable William Seide, l'enfant orphelin de Wozzeck et Marie, petit garçon tout de grâce vêtu, silencieux et d'une présence assourdissante.
Christian Merlin, 27 janvier 07, Le Figaro Un monde sans issue - La centaine de musiciens que réclame l'orchestration du Wozzeck de Berg ne logerait jamais dans la fosse d'un petit théâtre comme l'opéra de Lille. Alors plutôt que de renoncer à jouer l'un des chefs-d'oeuvre de l'histoire de l'opéra, on a opté pour une réduction réalisée par le Canadien John Rea pour vingt et un musiciens. Le procédé n'est qu'un pis-aller, mais le résultat est convaincant : la partition n'est pas trahie. Elle perd en lyrisme, le quintette à cordes ne pouvant rivaliser avec des instruments à vent, beaucoup plus sonores. Mais elle gagne en crudité, ses arêtes vives étant mises à nu par la direction très (trop ?) analytique de la Québecoise Lorraine Vaillancourt et par les timbres drus de l'Ensemble Ictus. En tout cas, le volume sonore est parfaitement adapté à la salle. Même dépouillement dans la mise en scène de Jean-François Sivadier, presque froide à force d'éviter le sentimentalisme, mais fidèle à l'impression cauchemardesque dégagée par la pièce. En l'absence de choeur, il prend des libertés intéressantes : ce sont les solistes qui en font office à la taverne et à la caserne, et c'est le personnage du fou qui supplée aux voix d'enfants à la fin. Comme chez Shakespeare, la vie est une histoire racontée par un fou, et la présence de l'enfant au début et à la fin illustre l'éternel recommencement d'un carrousel infernal évoqué par la scène tournante, autour de laquelle les personnages courent en sens inverse comme des animaux en cage. Un monde sans issue, souligné par un décor et des éclairages suggestifs. La distribution privilégie l'articulation du texte à la ligne de chant : c'est un choix possible, ce n'est pas le seul. Andreas Scheibner est un Wozzeck nerveux et percutant, d'une acuité tranchante : incarnation cohérente et concentrée, kafkaïenne, impressionnante. Ursula Hesse von den Steinen n'a pas les vrais moyens vocaux d'une Marie, les comparses sont d'excellente tenue, jusqu'aux seconds rôles, à l'image de Cyril Auvity qui donne un relief hors du commun au personnage du fou.
Index of Metals, Romitelli
Lijfelijkheid en slagkracht van een rockgroep zonder slagwerk Romitelli experimenteert met sonore klankmassa’s waarin harmonie en klankkleur versmelten, met de akoestische suggestie van elektronische klanken, met het samenpersen of het uit elkaar trekken van muzikaal materiaal en met de mate van verzadiging van die klanken. Vanuit dit speelterrein legde Romitelli in ’An Index of Metals’ verbindingen met de alternatieve popmuziek en de psychedelische rock. Compleet met associatieve film op drie doeken boven het podium. Ook in die beelden de vervorming, filtering, herhaling, verzadiging en vernietiging van het figuratieve. Zo opende Romitelli’s ’Index’ – na herkansing vanwege haperende techniek – met een steeds weer opnieuw opstartende Pink Floyd-sample; er klonken elektronische overgangsfragmenten van techno-artiesten zoals Pan Sonic, athletische Kate Bush-zanglijnen met deathmetal-teksten voor sopraan Donatienne Michel-Dansac, en een obsessieve elektrische gitaarcadens voor supergitarist Tom Pauwels. Het niet al te grote bezette Ictus had tegelijk de lijfelijkheid en slagkracht van een rockgroep zonder slagwerk. Je hoorde ook wie Romitelli’s voorbeelden uit de klassieke muziek moesten zijn geweest (Tristan Murail, Gérard Grisey, Iannis Xenakis). Binnen die hallucinerende, noise-achtige openstapeling van virtuoos geïnstrumenteerde klanken hoorde je bij vlagen een soevereine stem doorbreken. Met een indrukwekkend rauwe improvisatie van Pauwels eindigde de ’index van metalen’ in een klinkende oxidatie. De laatste wrede klank werkte – met terugwerkende kracht – veelbetekenend: het kort brommende geluid van Pauwels’ ontkoppelde gitaarplug verbrak abrupt de vijftig minuten durende euforische trance.
Koen Van Meel, 16.12.2006, Kwadratuur
Het begint allemaal met een plaatopname van 'Shine on You, Crazy Diamond' van Pink Floyd. Alleen, de plaat wil maar niet op gang komen: keer op keer wordt ze opnieuw opgestart, steeds voor een langere tijd en steeds volgen de verschillende pogingen elkaar sneller op. Het mag snel duidelijk zijn: 'An Index of Metals' is geen eerbetoon van een klassieke componist aan de helden uit zijn jeugdsentiment, al was het maar omdat de Italiaan Fausto Romitelli – die het werk schreef in de laatste weken van zijn leven – zijn eigen werk geregeld onderbreekt voor abstracte elektronische interludes die hij in bruikleen kreeg van het Finse elektronicaduo Pan Sonic. Toch wordt het werk ook geen techno voor de hippe klassiekers, noch een soundscape. Het rockt zelfs niet en is evenmin een eclectische puzzel. Wat is 'An Index of Metals' dan wel? Een tv-opera die klinkt als een uiterst explosief mengsel van elektrische (bas)gitaar, sampler, blazers, strijkers, piano en vrouwenstem. In combinatie met, maar ook zonder de beelden op de dvd flirt het werk met uitdagende abstractie, maar explodeert het even goed in exuberante dramatiek, waarmee het het beste en het meest toegankelijke laat horen van wat het raakvlak tussen elektronica, rock en klassiek kan opleveren. Romitelli's muziek klinkt hier nooit goedkoop, maar des te pakkender, waardoor 'An Index of Metals' een onvergetelijke trip wordt die de luisteraar van energie én pure schoonheid steil achterover in de zetel duwt. Door de combinatie van de soms minimalistische tussenstukjes van Pan Sonic en de stevig georkestreerde stukken van Romitelli zelf wordt het gevaar van een gefragmenteerd geheel reëel. Door de tracks in elkaar te laten overlopen en door de flexibele stijl van Romitelli wordt dit gevaar echter van meet af aan geneutraliseerd, waardoor de luisteraar meegezogen wordt in de dynamiek van het geheel. Deze betrokkenheid wordt nog vergroot door de herkenbare evoluties die zich in de muziek voltrekken en die ook voor leken perfect volgbaar kunnen zijn. Zo is in 'Hellucination 1' te horen hoe de muziek geleidelijk aan smelt. Vertrekkend vanuit een zuchtend geluidseffect (het wrijven over een buis), dat overgenomen wordt door de strijkers, zet zich een neerwaartse spiraal in gang waarbij het geluid van vast naar vloeibaar schijnt te evolueren: van duidelijk afgelijnd in het begin naar dikker en eerder stroperig op het einde. Opvallend hierbij is dat Romitelli werkt met een duidelijke, quasi consonante akkoordstructuur wat voor een aangename herkenbaarheid zorgt zonder dat de spanning opgeofferd wordt. Op het einde dreunt de elektrische gitaar alle anderen weg en veegt hij het auditieve podium leeg voor een 'Intermezzo' van Pan Sonic. Het daarop volgende 'Drowning Girl II' is van een andere orde en klinkt veel dreigender. Door de meer operagerichte stem en de elkaar steeds doorkruisende instrumentpartijen ontstaan dreigende golven. Aanvankelijk lijken die heel bescheiden, maar de optelsom van alle kleine bewegingen lijkt – in de beste catastrofetheorie – een heuse tsunami aan te kondigen. Die komt er ondanks alle dreiging niet, maar de schrik zal er bij de luisteraar dan al voldoende in zitten. Terecht, zoals blijkt in 'Drowning Girl III' waar een verpakking van harmonische wolken niet kan verhullen welk een lugubere spanning er in de centrale melodie schuilt. De muziek lijkt wel te verdrinken in haar eigen wirwar van thema's en tremolo's en eindigt alsof ze half bewust in het water zweeft. Via het 'Adagio' – waarin de strijkers en blazers ongrijpbaar voorbij drijven en flitsen – en het laatste Pan Sonic 'Intermezzo' belandt 'An Index of Metals' bij het verpletterende dramatische hoogtepunt, waarbij vooral zangeres Donatienne Michel-Dansac een even essentiële als dubieuze rol speelt. Door de strofische en dus gemakkelijk te volgen muziek met een musicalachtige helderheid te zingen lokt ze de argeloze luisteraar naar haar toe. Op het einde van elke strofe duwt ze die echter bruusk achteruit door de laatste lettergreep uit te spuwen als een vloek, daarin bijgetreden door de elektrische gitaar. Na elke uithaal vliegen de instrumenten verschrikt op als een groep vleermuizen. Wanneer de zangeres geleidelijk aan overschakelt naar een meer operagerichte stem wordt de dramatiek opgepompt. Bij het dreunen van het orkest en vooral de elektronische bas en basgitaar bereikt het stuk tenslotte een verzengende climax, waarbij het einde der tijden aangebroken lijkt. De hallucinante ontstoring zet zich door in de 'Finale' om te culmineren in een noisemuur die plots afgebroken wordt, waardoor de luisteraar weggerukt wordt uit een wereld waar daarvoor geen ontkomen aan was. Pas dan wordt duidelijk welke buitengewone greep Fausto Romitelli en Ictus op de luisteraar gekregen hebben. Was het niet voor de fascinerende luisterervaring, dan was dit zeker een reden tot ongerustheid. De videobeelden op de dvd – in twee formaten en met geluid in surround – sluiten in al hun abstractie mooi aan bij de muziek zonder die slaafs te volgen. Dit op zich is al een hele verademing in de hedendaagse muziek/beeldcultuur waarbij veelal nutteloze visuals als excuus worden ingeroepen om concerten ook visueel prikkelend te maken. De lichtslierten, krassen, lijnen, transformerende vormen, bewegingen, of zwermende kwikdruppels die elkaar bij 'An Index of Metals' treffen en dan in elkaar overlopen, ogen in combinatie met de muziek echter heel relevant. Wanneer de muziek sneller smelt, beginnen ook de beelden vloeiender te worden; wordt de muziek polyfoon, dan beginnen psychedelisch roterende figuren open en dicht te plooien. In de 'Finale' tenslotte krijgt de toeschouwer bergen afval dat gerecycleerd wordt te zien, zoals in dat deel ook muzikaal materiaal uit het werk herontdekt wordt In het soms al te gemakkelijk bewandelde gebied van klassiek, rock, elektronica en videobeelden mag het verbluffende 'An Index of Metals' gelden als een nieuwe norm: even onvergetelijk voor de luisteraar/toeschouwer als dodelijk voor de concurrentie. Koen Van Meel
Greet Van 't veld, KNACK, March 2006 *****Hedendaags Klassiek. Twee jaar geleden speelde Ictus de bevreemdende video-opera 'An Index of Metals' al op het festival Ars Musica, nu staat hij op cd. Niet te missen. Niet schrikken als je deze cd in de lader hebt gestopt, en je even daarna Shine On You, Crazy Diamond van Pink Floyd tien keer hoort stilvallen en weer optrekken. Dat hoort zo. Destructie en wedergeboorte vormen het thema van An Index of Metals. Die wetenschap heb je echter niet nodig om van deze klankorgie van 50 minuten voluit te kunnen genieten. Fausto Romitelli, Italiaan, leerling van Donatoni, lijkt kort voor zijn dood in 2004 - hij was pas 41 - wel een totaal nieuwe muziek te hebben uitgevonden. Tonale muziek nog wel! En of je ervan houdt of niet, er onverschillig bij blijven is redelijk moeilijk. Ze grijpt naar de keel en is zelf ongrijpbaar. Romitelli werkt nochtans met herkenbaar materiaal (elektrische basgitaar, akoestische strijkers en blazers, stem, elektronica) en beproefde technieken (spectralisme, sampling). De combinatie levert echter iets volstrekt origineels op. An Index of Metals vertrekt vanuit de (onderbroken) stilte en legt een meeslepend parcours af langs vijf etappes. De stem van Donatienne Michel-Dansac zingt de ene keer etherisch zoals de Schotse zangeres Enya, de andere keer met een volronde operastem. Popmuziek is nooit veraf. In zijn werknotities heeft Romitelli het over trancefenomenen van sommige hedendaagse expressievormen zoals light shows uit de jaren 60 en rave party's. De beelden van Paolo Pachini en de tekst van Kenka Lékovich Drowningirl/Risingirl maken het nog hallucinanter. Dit is hedendaagse kunst die nu eens echt aansluit bij de hedendaagse tijd. Ze vertelt over overconsumptie, verdwazing, verdrinking. De chaos op het einde met alleen nog maar noise en daarbij de beelden van tuimelend afval in een recycleerton is van een ijskoude schoonheid. Romitelli noemt componeren iets visionairs en beschouwt klank als materie. Hoe hij erin slaagt, is wonderlijk, maar hij maakt de klank fysiek voelbaar. De instrumentenklank, de samples en de schitterende montages bewijzen weer dat Ictus een topensemble is. Greet Van 't veld
De Standaard, March 2006 Romitelli. Hij was 41jaar. Romitelli toont zich in deze opera, die als zijn muzikaal testament wordt beschouwd, een origineel componist. Uit de brede waaier aan invloeden waaruit hedendaagse componisten kunnen putten, ontwikkelde hij een heel directe en energieke toonspraak. Dat bleek al in de bruisende Professor Bad Trip-cyclus. De onversneden rockinvloeden van An index of metalszijn minder agressief dan in Professor Bad Tripen leunen dichter aan bij de seventiespsychedelica, inclusief citaten van The Doors en Pink Floyd. Er wordt gesampled uit cd’s van het Finse technocollectief Pan Sonic en naar het einde toe voegen de elektrische gitaar en bas steeds meer overstuurde klanken en ruis toe. Toch is dit een veeleer intiem werk, met enkele gedichten van Kenka Lekovich als uitgangspunt, gezongen door de serene sopraan Donatienne Michel-Dansac. De zuiver instrumentale delen geven commentaar op die zang. Het resultaat is fascinerende muziek, die door zijn eclectische aanpak onvoorspelbaar, veelgelaagd en subtiel is. Het Ictus Ensemble heeft in de loop der jaren een innige band opgebouwd met de muziek van Romitelli en dat merk je aan de rijpheid van deze vertolking. Omdat de beelden van videast Paolo Pachini een essentieel onderdeel vormen van deze video-opera vind je in het doosje ook een dvd van het werk. Pachini creëert een al even psychedelische beeldtaal. Door dingen van extreem dichtbij te filmen worden de beelden onherkenbaar, zodat er enkel een elegant ballet van lichtflitsen, kleuren en lijnen overblijft. Leuk, maar ook maniëristisch en vrijblijvend. Gelukkig kan Romitelli’s muziek wel de aandacht vasthouden. (mb)
Bertand Bolognesi, Anaclase, janvier 2005 Romitelli observe activement l'explosion de la musique populaire anglo-saxonne dans années soixante, contaminant son esthétique avec brio, jusqu'à inventer une sophistication plus complexe encore, et qui pourtant se fait diablement entendre. Plus que d'accueillir la transe de Sonic Youth, la techno de Aphex Twin, le trip hop de Portishead, le brouillage de Sigur Rós, le trash rock incantatoire de PJ Harvey, cette musique en accumule génialement les nutriments avec un don terrible de la multiplication et de l'hybridation qui distord comme aucun autre toute idée d'une écoute confortable de notre part. Georges-Elie Octors est un des grands prêtres d'une étrange cérémonie, à la tête de l'ensemble Ictus étroitement lié au compositeur. Sur trois écrans, les images de Paolo Pachini et Leonardo Romoli suivent les alliages et les croisements musicaux en formant d'extraordinaires synapses, traces lumineuses, reflets, impressions aquatiques, mouve-ments comme raclés, déroulés de plus en plus rapides d'architectures devenues plis, circonvolutions, bourrelets, ou au contraire nombre infini et sans chiffre, s'ouvrant vers autant d'états modifiés de consciencerendus possibles, vertigineusement nauséeux. (...) Aujourd'hui, Donatienne Michel-Dansac est tout simplement méconnaissable ! On sait bien le dosage personnel de ses prestations, entre un engagement certain et une discrétion dévouée ; ici, elle nous emporte et nous hypnotise, et peu à peu se laisse sacraliser jusqu'en la contingence microphonique elle-même. Tour à tour pop star provocatrice et diva vibrante, elle transcende les matériaux compositionnels, con anima pourrait-on dire, donnant vie à un organisme monstrueux : An Index of Metals...
Pierre Hemptinne, à découvert, mars 2006 (la médiathèque, bruxelles) Voici une oeuvre actuelle, savante et audacieuse, qui a un potentiel « grand public ». Elle pourrait faire la une des JT. Être discutée dans les magazines branchés, faire incursion dans des émissions de variétés, voire people, alimenter analyses, polémiques, ragots, avec des « pour » et des « contre » acharnés issus de toutes les scènes musicales. C'est trop rare ! Une oeuvre qui déborde et gicle une immense naïveté esthétique, naïveté de croire que l'on peut décloisonner. On découvre ainsi que nous manquent cette fraîcheur et son corollaire, la faculté de croire qu'une oeuvre peut changer des choses. (...) Résurgence flamboyante, parfois indigeste, de romantisme rimbaldien, impulsée par un jeune compositeur décédé à 41 ans, exalté et torturé par l'absolu. De formation classique (Donatoni, Grisey, Ircam), affilié à l'école « spectrale », il agence des matières qu'il chauffe jusqu'à l'élasticité, puisant dans des réservoirs de sons jugés souvent antinomiques. Il malaxe des contraires culturels pour le goût des étincelles, des artifices. Un artiste qui exploite son bagage classique sans renier sa culture musicale d'immersion : la pop, le rock, le psychédélisme, la techno, l'électronique, la noise, le bruitisme et sa dimension sociale (« L'écriture musicale est un outil d'enquête du réel », Fausto Romitelli). P. H.
Vanity
(...) L'effetto di video (meno) e musica (piu') e' ossessivo e denso. Ossessivita' e densita' sono ottenuti con una accumulazione sempre piu' fitta di strati sonori. Attraverso l'uso dell'elettronica, sia essa sul canale video, sia essa sul canale musicale (amplificazione degli strumenti acustici e della voce; uso di strumenti elettronici), i compositori Romitelli e Pachini toccano profondita' sonore inusuali, ancora e sempre volutamente distorte, orribili e stranianti. E' musica e sono immagini che colpiscono perche' terribilmente contemporanee. Questa musica e' viva, affascinante per il senso di distruzione (e distruttivita') che trasmette, seducente, unica, piena di riferimenti a quello che Romitelli aveva letto, ascoltato, vissuto, immaginato, alterato. Insieme a Professor Bad Trip e' questa un'opera assolutamente imprescindibile della musica contemporanea. A futura memoria: "Amo il suono sporco, violento, distorto, visionario, che talvolta le musiche popolari hanno saputo esprimere e che cerco di integrare nella mia scrittura". Valutazione: * * * * *
Gérard Dupuy, Libération, December 2nd, 2005 Le «professor bad trip» de la musique contemporaine a fait un mauvais voyage le 27 juin 2004 à Milan, dont il ne reviendra pas. Il avait 41 ans. Il en reste quelques disques (dont celui qui compile des «leçons» du professeur susnommé) qui témoignent de sa façon urgente d'aborder la composition, au tournant des siècles 20 et 21. Bonnes écoles (Donatoni, Grisey, l'Ircam) et mauvaises fréquentations (Hendrix, la techno). Le goût du spectacle et du mélange des genres (Vidéopéra), sens dessus dessous, high brow ou low brow ensemble. L'abîme est si profond entre le monde de la musique contemporaine et celui des autres musiques actuelles qu'il faut être très naïf ou un peu fou pour imaginer des passerelles entre eux. Romitelli l'était. An Index of Metals est une sorte de testament arraché aux griffes de la maladie. Pour ce disque (accompagné d'un DVD), Romitelli a bénéficié de la complicité de musiciens triés sur le volet (l'excellent ensemble belge Ictus et l'immense soprano Donatienne Michel-Dansac). La transe des sons saturés continue.
Rather than a concert-cum-spectacle, what the Belgian group Ictus Ensemble brought to Turin yesterday evening for Settembre Musica was a piece of chamber music for two voices and small orchestra; the songs of Kurt Weill (including 'Dreigroschenoper', 'Happy End', and 'Aufstieg & Fall der Stadt Mahagonny') go well with those of Tom Waits (also taken from two works written for theatre, 'Frank's Wild Years' and 'The Black Rider') in a play of cross-references and contrasts that give life to a narrative, rather than a dramaturgical, idea. This narrative is similar to the 'narrated theatre' of some of Schubert's lieder cycles. Despite the distance that separates them in terms of time, space, and the starting point of their work, seen from this angle Weill and Waits end up calling at the same port. The frozen emotivity of one pairs up with the alienated and alienating hyper-sentimentalism of the other; their humanity is the same ethereal humanity, sad and distorted with rage or wine (or love, on occasion), which contemplates piratical vendettas and in the meantime is content with shooting at the sky. The arrangements created for the occasion by three composers (Francois Deppe, Jean-Luc Fafchamps, and Fabian Fiorini on stage in the capacity of acrobatic director) help provide uniformity to the sound matter, which makes use of the contrast between the voice of rock singer Kris Dane (often distorted and made to sound hoarse, more to bring to mind rather than imitate Waits's original timbre) and that of soprano Judith Vindevogel, who frees Weill from the cabaret-style interpretations that over time have settled on his music. It is an exhibition of human oddities, as stated in the initial text: the monkey-woman, the boy-dog, the three-headed baby and the man born without a body. It is of little importance that the deformities, as the songs unfold, affect the soul more than the body – to the extent that the last song 'My Ship', which Weill wrote in America (on a text by Ira Gershwin) for his 'Lady in the Dark', sounds both like an achievement and a regret, a sonata theme that finally returns after precipitous developments, or perhaps an equally lacerating, and a little more acid, 'Doppelgänger'. Res Musica, Joelle Farenc, December 2008 Cocasse ou tragique ? Ironique ou engagé ? Rock ou chanson ? Musique ou théâtre ? En fait, tout. Oui, c’est tout cela à la fois et bien plus encore que nous offre la quinzaine d’artistes qui ont concocté ce spectacle. Ils ont eu l’excellente idée de réunir les chansons de deux auteurs d’exception, que l’on peut étiqueter comme marginaux : l’un, Tom Waits, le californien, auteur, acteur, compositeur et interprète, au talent dérangeant et provocateur, cultivant avec maestria la marginalité et recherchant la poésie dans l’absurde, l’autre d’origine allemande mais bien aimé de l’Amérique, Kurt Weill, le sentimental révolté. Le répertoire est donc principalement bilingue, et totalement assumé comme tel.
(...)
L’ensemble instrumental Ictus fait partie intégrante du spectacle qu’il ne fait pas qu’accompagner : il y ajoute une dimension ironique avec souvent un doigt de poésie, et il revisite aussi les répertoires abordés par les chanteurs grâce à une orchestration fine et spirituelle, pleine d’autodérision. Pour prolonger l’atmosphère de My Ship, des sonorités « naturelles » évoquent le départ d’un transatlantique et les cris des mouettes. Pour accompagner Barbara’s Song, il y a bien sûr un talentueux piano obligé, mais on inclut aussi des sonorités étranges. La poésie du texte de la Complainte de la Seine est simplement renforcée par l’emploi de trois instruments à vent à la sonorité veloutée et délicate. Comme l’aurait sans doute souhaité Tom Waits, l’emploi de percussions inattendues apporte souvent de la fantaisie et de l’ironie. Enfin des instrumentistes en pleine possession de leur technique, comme le trombone et la guitare, n’hésitent pas à se lancer dans des solos déjantés. La direction de Fabian Fiorini, vêtu façon « artiste » des années 70, introduit aussi une note de gaîté et de bizarrerie.
La conduite du spectacle obéit finalement à une certaine progression logique : l’énergie débordante, souvent agressive et pleine de noirceur « gothique », du début de la soirée fait place petit à petit à une poésie nocturne, celle d’un monde de fantômes bien anglo-saxons, le monde des rêves à la lueur de la lune.
Pierre Gervasoni, Le Monde, 4 juin 05 Avis de tempête", opéra de la génération "Matrix" - (...) Figurative (gros plan des personnages) ou abstraite (formes dissoutes), la polyphonie d'images qui résulte de la technique Ircam détermine l'expression la plus captivante de l'opéra. Le texte, concassé par l'électronique, ne revêt, par comparaison, que peu d'intérêt. L'on suit donc distraitement les affres d'un "vieux crâne qui craque comme un verre" en libérant une multitude d'éclats verbeux. Aperghis a voulu rendre tangible une tempête sous un crâne. On a l'impression qu'il s'est, à la manière du dieu de ses ancêtres grecs, fendu la tête pour en laisser échapper, prête à l'emploi, une machine de guerre au lyrisme cybernétique. Un opéra de la génération Matrix, en quelque sorte. Avec ses coups de vent dévastateurs et ses dépressions traumatisantes, le flux qui sort des haut-parleurs ne manque pas localement de séduction mais procède d'un parcours déboussolé qui, pour être conforme avec son sujet, n'en paraît pas moins frustrant pour le spectateur en attente d'un ensemble cohérent.
Eric Dahan, Libération, 4 juin 05 Tempête sonore - A Paris, dans le cadre du festival Agora de l'Ircam, un opéra expérimental de Georges Aperghis, impressionnant de technique et de poésie. (...) Place au spectacle avec Agora, qui s'est ouvert jeudi aux Ateliers Berthier, avec un «opéra» pas comme les autres : Avis de tempête, de Georges Aperghis, figure tutélaire de «l'inouï», titre de la revue de l'Ircam que lance son directeur Bernard Stiegler. L'image choisie pour la couverture du premier numéro est celle d'une plate-forme pétrolière en pleine mer, déchaînée par l'orage. Et fait de cet Avis de tempête ¬ créé l'an dernier à l'Opéra de Lille, et présenté depuis à Nancy ¬ un symbole des enjeux pluridisciplinaires d'Agora 2005. Mais aussi de tout ce qu'on voudra y projeter d'esthétique, politique, existentiel, car cet «opéra» ne raconte pas une histoire avec des actions et des personnages : c'est un dispositif de mise en tempête intérieure. Au centre du plateau, une tour de contrôle, dans laquelle sont installés techniciens et ordinateurs, et qu'environnent des écrans vidéo tendus sur des architectures de métal. Tout autour, les musiciens de l'Ensemble Ictus, que dirige depuis un podium excentré Georges-Elie Octors. Raffinement - Les vocalistes, la soprano Donatienne Michel-Dansac et les barytons Lionel Peintre et Romain Bischoff, tournent sans cesse, apparaissent et disparaissent des écrans. Tandis que voix et timbres acoustiques, transformés par synthèse granulaire, filtrage, squelettisation, criblent la salle de «carrousels», «verticales», «nuées» ¬ pour employer le vocabulaire d'Aperghis ¬ et font surgir, d'un raz de marée scintillant d'une heure dix, syllabes arrachées à Kafka, phonèmes échantillonnés chez Melville, mots hantés de Shakespeare. D'une belle vitalité rythmique et d'un grand raffinement, l'exercice est impressionnant tant du point de vue technique que poétique, avec sa conclusion limpide, en forme de nouveau départ.
Christian Merlin, Le Figaro, samedi 4 juin 2005 Oeuvre d'art totale - (...) Ici, le verbe n'est qu'un paramètre parmi d'autres d'une synthèse où vidéo, musique instrumentale, musique électronique, une danseuse et trois chanteurs également requis comme acteurs nous mènent à travers ce dédale audiovisuel. Et c'est là que l'on rend les armes devant la perfection avec laquelle le projet est mené à bien. Souvent, dans ce type de spectacles multimédias, quelque chose ne va pas : incrustations vidéo et jeu scénique, musique vocale, orchestrale et électronique, lumières, ces éléments sont souvent plus juxtaposés qu'intégrés. Ici, rien de tel : c'est l'union parfaite de tous les moyens d'expression qui fait d' Avis de tempête une oeuvre d'art totale. Avec un timing millimétré, tout s'enchaîne et l'on ne voit jamais les coutures. La technique Ircam démontre sa fiabilité, et les interprètes leur virtuosité : la danseuse Johanne Saunier, étourdissante, l'excellent Romain Bischoff, le génial Lionel Peintre et la renversante Donatienne Michel-Dansac, tout comme l'Ensemble Ictus et son chef Georges-Elie Octors, qui se révèle en outre un récitant hors pair, dont le sens du scat n'a rien à envier à Al Jarreau ou Bobby McFerrin.
Bien Culturel, Paris,
La Folia, on-line music review, Grant Chu Covell, February 2005 Romitelli mashes traditional instruments with rock-informed electric guitars and electronics, concocting a wonderful paste. This is nothing like Bang on a Can’s smug gimmickry or Icebreaker’s grungy rep. Think of the humor and style of the “Boulez Conducts Zappa” collaboration (Barking Pumpkin Records D2 74242) but add amplification and teeth. Romitelli studied at IRCAM with Gérard Grisey and Tristan Murail. Dead at 41, his loss is notable because he had a darn good ear and created fine music. This disc is essential: Stop reading and get it now. Inspired by Henri Michaux’s writings and mescalineexperiences, Professor Bad Trip takes the form of three lessons. Jonathan Harvey’s ironic milquetoast voice introduces each. The lessons intersperse chaos with breathing room. Frenzied string glissandi and Messiaen-like figurations may slam to a sudden stop, exposing a raunchily munged solo cello. Lesson One closes with a lusciously cool electronic finale. Lesson Two reveals an eerily transformed cello. Slithery and acrobatic like its predecessors, Lesson Three plays memory tricks through repetition and recycling. The Professor’s deformed world is absorbing.
| ||
 | | |
5/5,